(R)evolutions, el nuevo disco de Cuarteto Quiroga


La buena música siempre es agradable de escuchar, pero si además de oírla, conseguimos aprender sobre uno de los momentos más álgidos y determinantes de la historia de la música, mejor que mejor. Y es que transmitir un mensaje con música  es gratificante tanto para el emisor como para el oyente.

Esta es la misión  tan bonita y difícil que se ha propuesto el Cuarteto Quiroga para su segundo trabajo discográfico (R)evolution, y he de decir que este cometido es superado con creces. Con Schönberg, Berg y Webern como perfecto trío de la contemporaneidad europea, aquellos que se sientan un poco recelosos con la Segunda Escuela de Viena, encontrarán en este disco un verdadero y fascinante sumario sobre los últimos años de vida de la tonalidad en la capital de la música y su agónico final para dar paso a unas sonoridades, nunca antes imaginadas.

Con este trabajo, Cuarteto Quiroga nos habla de uno de los períodos más trascendentes de la historia de la música; la crisis de la tonalidad y el progreso de las vanguardias musicales -tan enfrentadas al férreo academicismo brahmsiano- hasta la culminación del atonalismo. Todo ello, a través de cuatro obras camerísticas del trío vienés que serán testigos de esta evolución del lenguaje que revolucionó la música europea en las primeras décadas del Siglo XX.

Para quienes no hayan perdonado aún a Schönberg que “asesinara” la tonalidad, he de advertiros que os reconciliareis con él y su encantador Cuarteto en Re mayor. Con esta obra, inspirada da manera casi paradójica en las últimas obras de Brahms, se ilustra el panorama tonal de finales del XIX. Entre las compactas estructuras musicales del romanticismo ya pueden intuirse trazas de las futuras armonías vanguardistas. Cuarteto Quiroga consigue imprimir a la obra solidez y nitidez con melodías tan finas y precisas que casi cortan el aire. Mención especial para el segundo movimiento del cuarteto, el Andantino grazioso, donde demuestran una gran capacidad en el dominio de los matices y definición de las distintas capas sonoras.

El viaje musical en el que nos embarca el Cuarteto Quiroga nos lleva hasta 1906 con el Rondó para cuarteto de cuerdas de Webern. En un proceso de desintegración lineal y prácticamente imperceptible, la obra de Anton se hila con la de Schönberg deformando los límites tonales hasta casi su total ruptura. La fuerza, contundencia y coordinación de los intérpretes es admirable consiguiendo pasajes donde la superposición de técnicas distintas consigue una unidad cohesionada.

El trío se completa con Berg y su Cuarteto Op.3 en el que los intérpretes logran sortear la amalgama melódica y armónica y contenerla en un espacio limitado demostrando un verdadero control en la sonoridad y la técnica. Esto se hace aún más perceptible en el segundo movimiento, Mäßige Viertel.

El repertorio se completa con la figura de Webern, de nuevo, esta vez presentando las 6 Bagatelas para cuarteto de cuerda Op.6, unas piezas cortas que no dejarán indiferente y a nadie y que explorarán tanto el sonido de la cuerda como el nuevo lenguaje musical que está emergiendo en Europa a principios del siglo XX. Con un excelente dominio de los sonidos y los silencios, Cuarteto Quiroga consigue crear auténticas atmósferas musicales llenas de colorido y movimiento.

Cuarteto Quiroga no podría haber elegido un repertorio mejor para adentrar y consolidar al oyente más escéptico en la música contemporánea a través de un proceso sonoro orgánico y apenas perceptible. Para el oyente más avezado, la frescura y energía con la que la agrupación acomete al trío vienés no pasarán desapercibido.




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Josetxu Obregón nos presenta su nuevo trabajo con La Ritirata: Il Spiritillo Brando



Josetxu Obregón es uno de nuestros más brillantes instrumentistas. Violonchelista desde los 6 años formado en España, Alemania y Holanda, está llevando la Música Antigua a todos los rincones del mundo, convirtiéndose en referente internacional dentro de la interpretación histórica. Junto con La Ritirata, la agrupación que dirige, dirige la Música Antigua hasta niveles nunca vistos bajo la atenta mirada de crítica y público que elevan a éxito sus trabajos. Esto les ha valido para entrar dentro del prestigioso catálogo de artistas del sello Glossa, con el que firman su último disco, y que desde su fundación en 1992, nunca había contado con una agrupación española.

En este último trabajo, Il Spiritillo Brando, nos trasladaremos hasta el siglo XVII, y más concretamente, hasta las cortes española y napolitana en un viaje sonoro donde la recreación histórica de máxima calidad, nos transportará casi físicamente hacia estos lares. Una interpretación realizada con rigurosos criterios históricos, que incluye música de compositores italianos como Gabrieli, Castello y sobre todo  Falconieri -laudista de la Capilla Real Napolitana- junto a autores españoles como Ortiz, Bartolomé de Selma y Salaverde o Cabanilles.  Este repertorio se completa con obras de tres violonchelistas, Giovanni Battista Vitali, Domenico Gabrielli y Giuseppe Maria Jacchini, grandes maestros del inicio del chelo como instrumento solista.


En Tono Menor hemos tenido la enorme suerte de poder entrevistar a Josetxu Obregón y hablar sobre su nuevo disco y su trabajo en el campo de la Música Antigua y la interpretación histórica. Desde aquí queremos agradecer su amabilidad y desearle la mejor de las suertes en su carrera.

-Su último trabajo discográfico se titula El Spiritillo Brando. Este título hace referencia a una pieza de Falconieri. ¿A qué se debe este título y homenaje al compositor italiano?

Este programa surge como un programa-concierto con el que queremos dar a conocer al público música italiana y española al servicio de la corte en aquella época, el Seicento, en esa transición entre Renacimiento y Barroco. Con la figura de Falconieri, que es una figura que siempre me ha interesado mucho, siempre me ha parecido que tiene una música estupenda y muy entretenida además de escuchar. Falconieri tenía una serie de danzas en su libro con nombres muy curiosos y característicos y dentro de todos esos nombres, está esta pequeña danza titulada Il Spiritillo Brando. Luego llegamos a esta conclusión de que Spiritillo es este personaje popular napolitano de la época, que era como un pequeño demonio o duende y Brando es el Branle,una danza típica del Renacimiento y el Barroco; y bueno, esta  es un poco la idea que nos surge para titular este programa, porque recoge un poco ese carácter festivo y de danza de la música escrita para la corte.

-¿Qué es lo que el oyente va a descubrir en esta nueva grabación?

Es un tipo de música que se escribió para entretener, que se escribió para divertir a la corte y para mantenerlos entretenidos, es una música especialmente linda de escuchar porque digamos que busca una serie de movimientos de danza, unas melodías que enseguida llaman la atención al oyente, va a descubrir una serie de sonoridades que eran muy típicas de una época; como era la combinación de la flauta de pico y del violín, o por ejemplo algunas licencias que nos hemos tomado para hacerlo incluso más interesante, como es el añadido de la percusión, que en muchas ocasiones se utilizaba, aunque no siempre, pero vemos como en la música de Falconieri se adapta muy bien a este tipo de carácter de danza. Un poco es un viaje al pasado. Nosotros siempre en todos los trabajos de La Ritirata nos basamos en los criterios de interpretación histórica, por eso somos una agrupación de interpretación histórica, porque intentamos que la música suene lo más parecido posible a lo que hubiera sonado en aquella época. En este caso es un viaje a aquellas habitaciones de palacios del  Seicento en la que tantos músicos italianos y españoles trabajaban, en este caso, al servicio de la corte española,  tanto aquí como en Nápoles.

-En este último trabajo, existe una estrecha relación entre la Música Antigua de la Corte italiana y española. ¿Qué suponen estos dos países dentro de la Música Antigua?

Digamos que, Italia por supuesto, ha sido de los focos más importantes de composición de la música de este período. Tantos compositores que podríamos nombrar y el característico estilo italiano que se forma en el primer Barroco que es importantísimo desde el punto de vista de la Música Antigua. 

Por otro lado, en España ha habido esta especie de tradición o de manía por así decirlo de traer o importar músicos italianos. Esto pasa tanto en el Seicento, donde vemos figuras como en este caso, el compositor que da nombre al disco, Andrea Falconieri, que son compositores italianos que han estado trabajando al servicio de la corte, primeramente en Italia, y luego incluso, han viajado por España, como constatan muchos documentos con respecto a las partituras de Falconieri; y esto es una cosa que sigue ocurriendo durante muchos años. Puedo citar el claro ejemplo de Luigi Boccherini; nuestro grupo llamado La Ritirata toma el nombre de una de las piezas  del fantástico chelista y compositor que igualmente, era un músico italiano nacido en Lucca, que vivió la mayor parte de su vida en España y de hecho murió en Madrid porque estuvo también trabajando al servicio del Infante Don Luis en la corte española.  O sea que es algo muy característico, muy típico que veremos durante toda la historia de España, especialmente en esta época del Barroco e incluso un poco más adelante, incluso en el Clasicismo, donde vamos a tener muchos compositores italianos trabajando en España y aportando mucho a la música española de aquella época.

-Después de 20 años, el sello Glossa ha decidido echar el ojo a nuestros músicos españoles ¿Qué ha significado para La Ritirata grabar con este prestigioso sello?

Para nosotros es un gran paso adelante, como agrupación estamos constantemente dando pasos adelante en nuestra carrera, intentando buscar la máxima internacionalización, las máximas giras fuera de España, igualmente, que nuestra música se pueda escuchar en todas partes, que es un poco el objetivo último de un grupo de música, poder descubrir música, como en este caso de Falconieri, y hacerla lo más público posible a varios países del mundo.

El caso nuestro con Glossa, ha sido un gran honor porque es uno de los sellos más respetados dentro de la Música Antigua. Lleva una trayectoria larga de artistas de élite. Todos los artistas de su catálogo son fantásticos,  grupos e instrumentistas. Y curiosamente, como muy bien has dicho, desde que fue fundado por los hermanos Moreno, no se había decidido fichar a ningún artista español, quizás en esa búsqueda de los artista de élite. Casi todos los artistas que habían fichado por ellos era de fuera, tenemos artista italianos, alemanes, y así de tantos otros países  y bueno, en este caso, han decidido apostar por un grupo español, con estas nuevas generaciones de Música Antigua que estamos viviendo hoy en día en nuestro país; cada vez hay una mejor educación musical y somos personas que nos hemos formado fuera, en mi caso en Holanda, en el conservatorio de La Haya, donde hay una gran escuela de Música Antigua, y que ahora, al volver a nuestro país estamos intentando hacer ese boom, digamos, de la Música Antigua en España. Realmente para nosotros es un gran paso y un honor estar grabando con un sello discográfico de este calibre.


-Para el oyente no especializado, ¿qué diferencia fundamental encontrará entre la música interpretada con instrumentos actuales y con instrumentos de época?

Lo que nosotros buscamos siempre es que los instrumentos que usamos, y no solamente los instrumentos,  si no la manera de interpretarlos, sea la misma que se había hecho en la época. Evidentemente no conservamos grabaciones, porque no existía ningún método de grabación en aquella época, pero sí que conservamos muchas ilustraciones, cuadros,... que nos ilustran de cómo se  sujetaban o sostenían los instrumentos, y sobre todo, aún más importante, los métodos y los  tratados, es decir, si yo quiero interpretar el violonchelo, tal y como se hacía en 1650, lo mejor que puedo hacer es buscar aquellos métodos que explicaban cómo interpretar el violonchelo que se han publicado en torno aquella época, allí puedes leer y aprender lo que en aquella época consideraban la manera correcta de interpretar con un violonchelo. Entonces lo que nosotros conseguimos es una sonoridad muy diferente a los instrumentos modernos, es muy diferente pero por otro lado, muy interesante, digamos que, mi visión del asuntos es que, lo que interesa es siempre interpretar la música de una determinada época con los instrumentos que el compositor hubiera conocido, porque eso es lo que el compositor estaba imaginando cuando componía y es lo da el mejor resultado posible.Por ejemplo, nunca diríamos que vayamos a interpretar una música de hoy en día con unos instrumentos del Barroco, eso sería totalmente incorrecto también. 

Lo único por lo que abogo yo es que si, nos vamos al Barroco, vamos a intentar interpretar la música con aquellos instrumentos, y para el oyente al final siempre es una cosa mucho mas curiosa y mucho más interesante, de hecho, nuestros conciertos tienen un gran éxito de público y a la gente le encanta esta aproximación  porque es música de una época que, de alguna manera, cuando la interpreta con los instrumentos de aquella época, cobra vida de una forma mucho más interesante.

-Sobre ese trabajo de investigación de ilustraciones, tratados,... en búsqueda de la sonoridad de los instrumentos de época ¿Existe algún documento al que usted pueda llamar su "Piedra Rosetta", que haya sido revelador para la interpretación de la Música Antigua? 

Realmente hay muchísimos documentos. Sería casi imposible destacar uno como el más revelador. Digamos que hay tantos y tantos tratados de época, tantos libros o cartas entre compositores que también explican las idea de aquella época. Más que un solo documento, lo que nosotros hacemos es tratar de recoger el máximo de información, el máximo de investigación  para hacerse una idea lo mas completa posible de lo que era la interpretación en aquella época. Digamos que hay tratados para cada cosa, si uno está buscando información sobre ornamentaciones o sobre la manera de interpretar, o sobre los métodos de afinación que se usaban, pues tiene que acudir a distintos archivos para buscar diferentes métodos, pero en cualquier caso, es una labor muy bonita, porque un poco, lo que estamos es recuperando cosas olvidadas y maneras de interpretar los instrumentos, que han evolucionado tanto, evidentemente han evolucionado hacia mejor y hacia una mejor técnica, que es la que se tiene hoy en día,  pero bueno, quizás interesa en algunos casos poder ver esta visión del pasado.

-Perteneciendo a una generación de músicos jóvenes españoles de proyección internacional ¿En qué momentos cree que se encuentra la música culta en nuestro país?

Yo creo que en España está habiendo un crecimiento muy grande de lo que es la música culta, y en nuestro caso también de ese pequeño campo que es la interpretación histórica, dentro de la música llamada clásica. Desgraciadamente ahora estamos viviendo un momento de crisis económica que está recortando muchísimo todo lo que tiene que ver con el sector cultural. Estamos viendo como se cierran festivales y salas de conciertos, como muchos de los grupos españoles están teniendo problemas para sobrevivir; pero aún así, digamos que el momento es ideal. En los últimos años, últimas décadas, ha habido cada vez una mejora increíble en los conservatorios españoles, cada vez han venido profesores de mayor calidad, cada vez tenemos una escuela en España que tiene más técnica y mejores músicos porque son gente que también han vivido más experiencias, han salido a estudiar fuera, han vuelto, han comunicado experiencias musicales con otros países, y de hecho, tenemos muchas escuelas de mucha calidad en España,  que al fin y al cabo es lo que crea a los intérpretes y crea al público.  Entonces yo creo que, a pesar de la crisis, estamos en un buen momento y hay que apostar por el futuro, hay que seguir trabajando en esta línea, para que, en unos años, cuando tengamos una situación económica mas favorable podamos seguir en la linea que se ha seguido  los últimos años de creación de público, de orquestas y de auditorios.

-Tanto usted como La Ritirata tienen cuenta en Twitter, Facebook, canal de Youtube,.. y, si no me equivoco, estudió dos años de ingeniería informática. ¿Qué valoración tiene de las redes sociales e Internet en general para la difusión de la Música Antigua?

Yo opino que aquí hay que saber ir al mismo ritmo  que va el mundo, digamos que, aunque estamos haciendo algo tan concreto como puede ser la interpretación histórica y la Música Antigua, evidentemente los nuevos canales de comunicación que se están utilizando hoy en día, como las paginas web, las redes sociales o los vídeos de Youtube, son una herramienta fantástica de difusión.  Como comentaba al principio cuando he hablado de la importancia de Glossa, en cuanto a distribución mundial ,en cuanto a lo que supone para nosotros, lo mismo nos pasa con Internet, cuando nosotros ponemos uno de nuestros nuevos vídeos en Youtube, eso está accesible inmediatamente a todo el mundo lo cual es fantástico,  de hecho, nosotros hemos conseguido muchas veces viajar a sitios lejanísimos gracias a contactos que se han hecho a través de redes sociales o Internet.  Entonces lo considero una herramienta fantástica, a mí me encanta tanto que me puedan escuchar desde otro lado del mundo gracias a Internet como yo poder escuchar otros grupos lejanos gracias a eso. También Facebook y Twitter son evidentemente herramientas que nos ayudan a notificar a las personas que se interesan por nuestra música de cuando son los siguientes conciertos, cuando salen los siguientes discos o los proyectos que estamos llevando a cabo, lo cual considero extremadamente interesante hoy en día.


De nuevo agradecemos a Josetxu Obregón la entrevista y el podernos presentar de primera mano su última grabación. Podes oír a Josetxu Obregón y La Ritirata en Youtube y seguidlos a través de Facebook y Twitter. Tenéis a la venta su último trabajo Il Spiritillo Brando, donde se conjugan bellas danzas cortesanas del siglo XVII con el rigor histórico e interpretativo de la que esta agrupación hace gala.


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Top 5: Las obras más épicas


¿Qué es lo épico? Lo épico es aquello que hace referencia a la epopeya, que habla de héroes y heroicidades, lo grandioso y lo extraordinario. Pues bien, en nuestro nuevo Top 5 encontraremos obras que reúnen todas estas cualidades; obras inspiradas en eminentes figuras históricas o de leyenda que realizaron grandes gestas y en pueblos unidos que vencieron al opresor en cruentas batallas. Con orquestas que expresan la grandilocuencia y el fragor de la lucha, os presento nuestras 5 obras más épicas.

Antes de iniciar la lista, hay que hacer una mención especial a obras que han quedado fuera de este ranking. El cine ha ayudado en gran medida a relacionar ciertas obras clásicas con escenas o momentos épicos, por lo que a muchos no os sorprenderá esta lista; sin embargo, hay otras obras que reúnen estas mismas condiciones y que no son tan difundidas: 

Podemos mencionar entre ellas, la BSO que compuso Prokofiev para la película sobre el héroe ruso Alexander Nevsky de Sergei Eisenstein o añadir la ópera "El Rey Arturo" de Ernest Chausson. Incluir también tres sinfonía: El primer movimiento de la Sinfonía nº4 en Mib Mayor "Romántica" de Bruckner, que se inicia con el amanecer y unos caballeros que abandonan el castillo para iniciar su partida de caza y el cuarto movimiento de la Sinfonía nº1 en Re Mayor "Titán" de Mahler, en el que, tras un despertar de la naturaleza y la muerte del héroe en los movimientos anteriores, concluye con un colosal ascenso del alma desde los infiernos al paraíso. Por último, la Sinfonía nº9 en Re menor "Del Nuevo Mundo" de Dvořák, cuyos primer y cuarto movimientos son ejemplos de conflagración y grandiosidad. 

También dejamos fuera otra gran obra, muy conocida por todos, y que Kubrick en su película "2001, una odisea en el espacio" convirtió en el amanecer musical por excelencia: Así habló Zaratustra de Strauss

Y sin más dilación, comenzamos nuestro Top 5 con las obras más épicas:

En el puesto...5
El 7 de Septiembre de 1812 tuvo lugar la más sangrienta batalla de las Guerras Napoleónicas, la batalla de Borodinó. El Imperio Francés invadió Rusia quien respondió con un auténtico batallón. Aunque no consiguieron derrotar a los franceses, si que mermaron su moral y los frenaron durante días, antes de que pudieran invadir Moscú.  El gélido clima y la ausencia de provisiones obligó a los franceses a abandonar la capital rusa, momento aprovechado para el asedio y la expulsión de los invasores. Tchaikovsky conmemoró la hazaña de su pueblo en su conocida Obertura Solemne 1812, estrenada 70 años después de la invasión.

Obertura Solemne 1812 - P. I. Tchaikovsky


En el número...4
Cuentos populares eslavos hablan de un pájaro de fuego, cuyo poder, atrae a intrépidos aventureros que desean capturarlo... En 1910, sobre este mito, Stravinsky compuso un ballet donde un príncipe, Iván debe derrotar a un malvado inmortal llamado Kastchei, gobernante de un misterioso jardín. Con ayuda de un pájaro mágico, el príncipe descubre la fuente de poder de su enemigo, un huevo que encierra el alma del ave. Tras destruir el huevo, el maligno infernal desaparece junto con su séquito, los prisioneros son liberados e Iván puede casarse con la hermosa princesa que conoció el misterioso jardín. El Pájaro de Fuego es un trepidante ballet, una de las muchas genialidades nacidas de la cabeza de Stravinsky cuyo finale, es una alabanza al  triunfo sobre la adversidad.

El Pájaro de Fuego (Berceuse y Finale) - I. Stravinsky


Con la medalla de bronce...3
En 1937, Carl Orff estrenó una cantata sobre textos medievales del "Carmina Burana", una colección de cantos con cerca de 300 rimas escritas entre el siglo XII y XIII. De todos los poemas contenidos en la obra de Orff, existe uno dedicado a la diosa romana de la suerte, y empleado en 1981 en la BSO de la película Excálibur de John Boorman. O Fortuna del Carmina Burana de Orff ha terminado por convertirse en paradigma de la épica medieval con su carácter modal y su fuerza guerrera.

O Fortuna de Carmina Burana - C. Orff


En el puesto...2
"La Valquiria" es la segunda de las óperas de la Tetralogía del Anillo de Wagner. En ella se relata el romance prohibido entre Sigmund y Siglinda, que desconocen ser hermanos. Como castigo por el incesto e influenciado por su esposa Fricka, Wotan, en rey de los dioses envía a Brunilda, su hija valquiria a acabar con la pareja. La valquiria termina compadeciéndose de los enamorados y los ayuda en su huida pese a desatar la ira de su padre. Esta magistral ópera nos regala uno de los temas más beligerantes jamás compuestos, un grupo de diosas guerreras sobre sus corceles alados que descienden al campo de batalla para recoger el alma de los héroes caídos: La Cabalgata de las Valquirias.

La Cabalgata de las Valquirias de la ópera La Valquiria - R. Wagner


Con la medalla de oro...1
En 1914, Holst terminó el primero de un total de siete movimientos reunidos en una suite llamada "Los Planetas". Los movimientos, además de referir a cada uno de los siete planetas conocidos hasta entonces del Sistema Solar, exceptuando la Tierra, imprimen el carácter del dios romano que da nombre a cada uno de los astros. El primer movimiento de la suite fue bautizado como Marte, el portador de la guerra, y se caracteriza por su tono agresivo, fuerza y contundencia proyectada por la percusión y los metales. Esta obra de Holst, sirvió además de inspiración a John Williams y Hans Zimmer para las BSO de Star Wars y Gladiator respectivamente, dos ejemplos claros de épica musical en el cine. Acabamos nuestra lista con una alabanza al dios de la guerra Marte.

Marte, el portador de la guerra (mvt. I de la suite Los Planetas) - G. Holst




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Género: Minueto





El Minueto, como danza, se cree que es una adaptación aristócrata de un baile popular surgido en la región francesa de Poitou, según estableció Michael Praetorius en su obra "Terpsichore" en 1612 . Por ese entonces, el baile se conocía como Branle, se ejecutaba en pareja y su paso principal era lateral. Aunque esta fuera la afirmación de Praetorius, nunca se ha podido demostrar la conexión directa entre ambas danzas. El Minueto como tal alcanzaría la fama cuando el mismo rey Luis XIV, el "Rey Sol" tomó esta danza, llamado así por sus pasos "diminutos", convirtiéndola en el baile aristocrático y cortesano por excelencia. 


Ficha Técnica: 

Género: Minueto, Minuet, Minué
Época: Barroco y Clasicismo
Interpretación: Instrumental
Compositores destacados:  Lully, Händel, Bach, Mozart,...
Estructura: A-B-A'


El "Menuet de la cour" fue bailado por primera vez en 1653 por Luis XIV, en la misma región de Poitou. Pero para que la corte y las ceremonias palaciegas disfrutaran del bello arte de la danza del Minueto, era necesario de un compositor que lo dotara de música. Ese papel recayó en el genial Jean Baptiste Lully.

Lully compuso gran variedad de Minuetos para amenizar las galas, festejos y eventos que se sucedían en la corte del "Rey Sol", además de incluirlo como danza dentro de sus óperas y ballets, obras, en las que a veces participaba de forma activa el monarca.


Minueto para Trompetas - Lully



Los requisitos primeros de un Minueto no eran muy elaborados, tan sólo un ritmo ternario  propio de la danza y una velocidad moderada que acompañara al movimiento grácil y sofisticado de los bailarines. A ser posible, dividido en secciones de 8 compases, que es lo que establece la división del baile. El Minueto simple mostraba una estructura interna monotemática, binaria o ternaria, sujeta a repeticiones:

Tema A con repetición - Breve desarrollo  con o sin repetición - (Tema A con o sin repetición)

Rápidamente, la moda instaurada en la corte francesa se extendió por toda Europa y el Minueto empezó a adquirir una forma definida y una estructura consistente en el panorama musical. El primer cambio fundamental fue la introducción de un segundo Minueto para alargar la composición. La forma final pasó a ser una sucesión ternaria de un Minueto I, seguido de un Minueto II y una reexposición acortada del Minueto I.

La condición indispensable para la introducción del segundo Minueto era que fuera contrastante con el primero: En otra tonalidad, generalmente cercana a la del Minueto I y en el modo contrario. Otra novedad de la introducción del Minueto II, era su cambio de sonoridad y densidad. Mientras que el primero era interpretado por todo el conjunto instrumental, el Minueto II se relegaba a tres instrumentos, escribiéndose por tanto, a tres voces. Esta práctica tan común hizo que a este segundo Minueto se le terminara llamando Trío. Si bien la práctica no perduró en el tiempo, sí que lo hizo esta forma de designar a la sección central. Finalmente, para la reposición del Minueto I, era costumbre prescindir de las repeticiones acontecidas en la primera parte.

Minueto I - Trío - Minueto I'
A     -      B       -   A'

Si escuchamos con atención el Minueto de los "Reales Fuegos de Artificio" de Händel, podremos detectar de forma estricta las partes descritas. Un primer Minueto binario en Re Mayor con su exposición y desarrollo en proporción de 8 compases seuido de un Trío contrastante de igual estructura. En este caso en concreto, el Trío se incluye dos veces con las consiguientes dos reexposiciones del Minueto I.

Minueto I - Trío - Minueto I' - Trío' - Minueto I'

Minueto de los Reales Fuegos de Artificio - Händel


El Minueto terminó por convertirse en pieza muy común dentro de las Suites barrocas (obras orquestales donde cada movimiento comprende una danza). Su popularidad y gracia le valió para constituir el único baile barroco introducido en las nuevas formas musicales prominentes del Siglo XVIII: La Sonata y la Sinfonía. 

A este respecto, el Minueto junto con su Trío, ocupó el puesto del tercer movimiento dentro de esta formas complejas contrastando con el segundo movimiento, generalmente lento, y con el vigoroso finale.

Minueto (3er mvt.) de la Sonata nº1 en Fa menor - Beethoven


No podemos olvidar que el Minueto nació como obra aristócrata, aunque este carácter se fue perdiendo con el paso del tiempo, podemos decir que se "aburguesó", cuando el pueblo comenzó a absorber la forma. Juan Miguel González en su libro "El sentido en la obra musical y literaria: aproximación semiótica" narra como a finales del siglo XVIII se produjo una escisión del Minueto en dos vertientes: uno aristocrático y otro burgués. El Minueto aristócrata, con un tempo más pausado, se inicia con el motivo rítmico relegando la melodía a compases posteriores, apenas dándole peso. Por contra, el Minueto burgués es más acelerado presentando la melodía desde el primer compás y con un mayor protagonismo.

En la obra editorial citada anteriormente, Juan Miguel González pone de manifiesto como Mozart emplea en sus obras estos dos tipos de Minuetos con dos ejemplos: "Don Giovanni" y "Las Bodas de Fígaro". Por ejemplo, en Don Giovanni, Mozart  utiliza el primer tipo para crear la atmósfera aristócrata del drama. Emplea un Minueto donde prima el valor rítmico y no el melódico y con una carácter muy pausado y solemne. 

Minueto de la ópera "Don Giovanni" - Mozart


En el siguiente ejemplo, el Minueto del Divertimento nº17 de Mozart, vemos como la melodía juguetona adquiere todo el protagonismo. El ambiente es más distendido e incluso podríamos decir que juguetón. Nos encontramos ante un Minueto de carácter burgués.

Minueto (mvt. III) del Divertimento nº17 en Re Mayor - Mozart


A pesar de haber sobrevivido al Barroco y al Clasicismo, después de aproximadamente 150 años, el Minueto entró en crisis por culpa de una forma musical, aparentemente muy similar, pero con un carácter más burlón y festivo: el Scherzo. Después de que Beethoven sustituyera el Minueto por esta forma en sus sonatas y sinfonías, la moda del Scherzo se extendió provocando la casi total desaparición de la antigua danza barroca.

Bibliografía:

-Forma y diseño de Roy Bennett
-Música II de Alicia Rodríguez Blanco
-Cómo apreciar la música de Sidney Harrison
-El sentido en la obra musical y literaria: aproximación semiótica de Juan Miguel González


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Ciclo de Tonalidades: Do# Mayor / Reb Mayor


Continuamos nuestro ciclo de tonalidades embarcándonos en la compleja Do sostenido Mayor. Esta tonalidad ha tenido poca repercusión debido a su escaso uso, provocado por su número elevado de alteraciones en la armadura: siete en total. Por esta razón, los grandes compositores se sentían más cómodos empleando su enarmónico: Re bemol Mayor, que sólo dispone de 5 bemoles. Recordemos que dos tonalidades son enarmónicas si se entonan de la misma forma, a pesar de que sus sonidos se escriban o llamen de forma diferente. 

Las tonalidades complejas con números muy altos de alteraciones siempre son engorrosas para la lectura del intérprete y muy poco cómodas para la ejecución de los instrumentos,  a excepción de los de teclado, que pueden tocar, de forma bastante competente, casi cualquier tonalidad. Por esa razón, la música en Do# Mayor no es muy prolífica y prácticamente impensable para pequeñas o grandes agrupaciones orquestales. Existiendo una alternativa enarmónica más sencilla, parece lógico que los compositores decidieran volverse sobre Reb Mayor para olvidarse de su gemelo. En cambio Bach, para sus dos Clave Bien Temperado, decidió tomar el Do# Mayor como protagonista del Preludio y Fuga nº3 y demostrar así que el nuevo sistema de afinación podía abarcar cualquier tonalidad sin problemas.

Preludio y Fuga nº 2 en Do# Mayor. Clave Bien Temperado II - J. S. Bach


No obstante, Reb Mayor sigue siendo una tonalidad con un número alto de alteraciones y, aunque algo más cómoda que su homóloga, no gozó de fama durante el Barroco o el Clasicismo.  No sería hasta el Romanticismo del XIX, que empezará a ganar peso apoyado en la música para piano y protagonizando algunas de las obras estelares en este sentido, como el Preludio nº15 de Chopin "Gota de lluvia", su mismo Vals nº1 Op.64 o el archiconocido "Claro de Luna" de la Suite Bergamasque de Debussy.

Suite Bergamasque  (mvt. III - Claro de luna) - C. Debussy



Sobre la personalización de estas tonalidades, Christian Shubart atacó la tonalidad, quizás para justificar su escasa aparición en la historia de la música. De Reb Mayor dijo: "lasciva, degenerando en el dolor y el éxtasis. No provoca risas, pero sí sonrisa, no puede aullar, pero puede hacer muecas de llanto. En consecuencia sólo los sentimiento inusuales pueden ser expresados en esta tonalidad". El musicólogo francés Albert Lavignac también analizó las tonalidades como entes con personalidad caracterizando a Reb Mayor de "encantadora, plácida y suave".

Los compositores también comentaron sobre la tonalidad. Berlioz dijo que Reb Mayor era una tonalidad "majestuosa" y Rachmaninov que era la más "romántica" de todas. Sobre esto último, encontramos dos preciosas melodías que, aunque constituyen temas internos de obras mayores, han adquirido gran popularidad  precisamente por su carácter emotivo, majestuoso y romántico. Son la Variación nº18 de la "Rapsodia sobre un Tema de Paganini" del propio Rachamninov  y el Tema del amor de la obertura "Romeo y Julieta" de Tchaikovsky. Aunque la razón que llevó a Tchaikovsky a usar esta tonalidad como representación del amor es su cifrado (Des), que coincide con las tres primeras letras del nombre de Désirée Artôt, soprano de la que por aquel entonces estaba enamorado.  

Romeo y Julieta, Obertura-Fantasía (Tema del amor) - P. I. Tchaikovsky


Reb Mayor alcanzó en el Romanticismo cierta proyección orquestal, aunque sí que es cierto que no protagonizó ninguna sinfonía memorable; habría que esperar hasta el postromanticismo para ello. Pero sí que es verdad que adquirió fama como tonalidad para movimientos lentos melancólicos y esperanzadores. Tres grandes ejemplos atestiguan esto como son el Adagio finale de la Novena de Mahler, el Lento de la Sinfonía nº9 del "Nuevo Mundo" de Dvořák o el Adagio de la Sinfonía nº8 de Bruckner.

Sinfonía nº8 en  Do menor (mvt III - Adagio) - A. Bruckner 


Las primera sinfonías destacadas construidas sobre Reb Mayor llegarían con el siglo XX. Aunque sin ser muy abundantes ni conocidas, podemos mencionar la Sinfonía nº3 "Canción bajo las estrellas" del sueco Ture Rangström o la Sinfonía nº25 del ruso Nikolai Myaskovsky.

Pero sin duda, la obra más trascendente que el siglo XX ha dejado en la tonalidad de Reb Mayor es el Concierto para Piano nº1 de Sergei Prokofiev, estrenado en 1912. Esta obra en un sólo movimiento y dedicado a su mentor, Nikolai Tcherepnin, le valió para ganar el prestigioso premio de composición Anton Rubinstein. Con esta obra terminamos nuestro repaso.

Concierto para Piano nº1 en Reb Mayor - S. Prokofiev





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Revista: El Estornino de Mozart



Comenzamos el Nuevo Año de estreno, con una revista. Twitter se ha convertido en un hervidero de historias musicales; cada día, distintas cuentas nos regalan música, historias y curiosidades en tan sólo 140 caracteres. Nuestra revista "El Estornino de Mozart" pretende recopilar esos twits musicales tan interesantes y evitar que se pierdan en el fondo de los Time Line dando la oportunidad a aquellos que quieran sobrepasar la barrera de los 140 caracteres a opinar o exponer sus conocimientos.

Bajo esta idea de unificar al pajarillo de Twitter y la Música Clásica surge el nombre de la revista, que hace referencia a un dato verídico sobre la vida de Mozart. El compositor tuvo un Estonino que era capaz de cantar la melodía del tercer movimiento de su Concierto para Piano nº17.

En este primer número contamos con efemérides musicales, curiosidades sobre Mozart y la relación con su padre Leopold, un repaso sobre la génesis y culminación del Holandés Errante de Wagner además del relato del duelo musical que tuvo lugar entre el mismo Mozart y Clementi.

Esperamos que disfrutéis de esta publicación.





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